por Mónica Belot
Quizás no hayas oído hablar del artista mexicano Pedro Friedeberg: Este artista de 89 años ha mantenido un perfil relativamente bajo en comparación con muchos de sus colegas del mundo del arte durante las últimas décadas.
Sin embargo, la obra de Friedeberg forma parte de las colecciones permanentes de más de 50 museos, incluyendo el Museo de Arte Moderno, el Museo del Louvre y el Museo Smithsonian de Arte Americano. Ha participado en más de 100 exposiciones y continúa colaborando con marcas como Montblanc, Jose Cuervo y Corona.
A pesar de este reconocimiento institucional y éxito comercial, sigue siendo relativamente discreto en comparación con sus contemporáneos que alcanzaron mayor fama, como Salvador Dalí. Sin embargo, esta distinción parece serle muy adecuada. Biografía de Friedeberg: Raíces europeas
Nacido en Florencia en 1936, de padres judíos que huían de Mussolini y del Holocausto, Friedeberg llegó a la Ciudad de México a los 3 años. Su abuela, quien se había establecido en México años antes, en 1911, le enseñó libros de arte, con obras como «La Isla de los Muertos» de Arnold Böcklin.
Estas influencias tempranas —incluyendo la arquitectura renacentista, las formas góticas y, más tarde, los códices aztecas que descubrió en su tierra adoptiva— crearían el vocabulario visual y la simbología que impregnan su obra.
En 1957, Friedeberg se matriculó en la facultad de arquitectura de la Universidad Iberoamericana, pero se resistió a la insistencia de sus profesores en la simetría estricta y las formas convencionales; en cambio, se inclinó por sus impulsos imaginativos.
Comenzó a dibujar diseños arquitectónicos fantásticos e imposibles: casas con techos de alcachofa y edificios que parecían retorcerse y plegarse sobre sí mismos. Estos bocetos llamaron la atención de Mathias Goeritz, un reconocido pintor y escultor que animó a Friedeberg a dejar sus estudios de arquitectura para dedicarse al arte.
Gracias a sus vínculos familiares, conoció a artistas surrealistas como Remedios Varo y Leonora Carrington, y se unió a Los Hartos, un colectivo irreverente que rechazaba el realismo político y social dominante en el arte mexicano de posguerra, en favor del arte por el arte.
El tumulto romántico de su vida personal —cuatro matrimonios, incluyendo uno con la condesa polaca Wanda Zamoyska, que describió como surrealista, circense y alocado, pero agotador— finalmente se fundió con un ritmo doméstico más tranquilo.
Con su última esposa, Carmen Gutiérrez, a quien describió como «una mujer muy seria», crió dos hijos. La paternidad lo cambió, reduciendo las noches de bebida y los viajes por todo el mundo que habían caracterizado sus primeros años. Práctico pero absurdo
Friedeberg es famoso por su obra «Hand Chair» de 1962. La pieza es a la vez mueble y escultura, práctica y absurda: una gigantesca mano de madera que invita a sentarse en su palma, utilizando los dedos como respaldo y apoyabrazos.
La silla ejemplifica la filosofía de Friedeberg de la belleza inútil, transformando un objeto funcional en algo deliciosamente impráctico. Hoy en día, gigantescas Hand Chairs se alzan sobre edificios prominentes de la Ciudad de México, mientras que reproducciones autorizadas y no autorizadas se venden en salas de diseño y mercadillos de todo el mundo.
Pero centrarse solo en «Hand Chair» sería pasar por alto la amplitud de la prolífica obra de Friedeberg. Su obra abarca una amplia variedad de ideas e influencias: pinturas llenas de ilusiones ópticas y símbolos híbridos, intrincados grabados inspirados en todo tipo de temas, desde la Torá hasta la Teoría de la Relatividad de Einstein, muebles de los que parecen brotar apéndices humanos, portadas de álbumes psicodélicas y montajes donde la arquitectura imposible incorpora símbolos del catolicismo, el hinduismo y el ocultismo. Cada pieza se produce con una precisión técnica minuciosa. Friedeberg trabaja íntegramente con medios tradicionales, utilizando reglas, lápices, borradores y transportadores, como los artesanos de antaño.
«Admiro todo lo inútil, frívolo y caprichoso», dijo Friedeberg en una ocasión, y esta filosofía se extiende a sus opiniones sobre el arte contemporáneo. Odia el minimalismo con vehemencia, calificándolo de «engaño», e insiste en que el arte no debe reducirse a lo abstracto.
Esta postura lo enfrenta a figuras como Luis Barragán, cuya colorida y sencilla arquitectura modernista Friedeberg ha desdeñado abiertamente.
Friedeberg no se consideraría surrealista per se. Es una respuesta típica de un artista que ha dedicado su carrera a resistirse humildemente a la categorización, incluso cuando le sigue la etiqueta de «el último surrealista vivo». Pero tal vez la resistencia a la clasificación tenga sentido: la obra de Friedeberg, con su precisión geométrica, sus imposibilidades arquitectónicas y sus imágenes casi psicodélicas, se siente como las construcciones meticulosas de un arquitecto entrenado que simplemente se niega a reconocer las leyes de la física.
Lo que hace a Friedeberg tan fascinante es esta contradicción: es un artista de increíble destreza técnica que rechaza el significado y el simbolismo en su propia obra, un surrealista que rechaza la etiqueta, un creador de arquitecturas imposibles que nunca terminó su carrera de arquitectura, un creador de objetos útiles diseñados para ser inútiles.
En un mundo del arte a menudo dominado por gestos conceptuales y abstracciones teóricas, Friedeberg ofrece algo cada vez más inusual: artesanía pura al servicio de la pura fantasía, mundos meticulosamente representados donde nada tiene sentido; y ese es el punto.
Un documental de Netflix de 2022, titulado simplemente «Pedro», cuenta la historia de cómo la cineasta Liora Spilk Bialostozky dedicó una década a documentar la vida del artista, capturando tanto su personalidad pública como su yo más tierno e íntimo. La película ofrece un retrato íntimo de un hombre que describe su obra como «un comentario sobre el arte de otros», aun cuando su genio técnico y su originalidad siguen siendo indiscutibles. Vale la pena verlo para cualquiera que esté interesado en uno de los últimos intelectuales auténticos de nuestro tiempo, un artista que consulta el I-Ching a diario y conserva una colección de santos a pesar de identificarse como ateo, que crea arte que hace referencia a siglos de cultura visual sin dejar de ser obstinadamente suyo.
Sigue construyendo mundos imposibles
A sus 89 años, Friedeberg no da señales de bajar el ritmo, aún concede entrevistas y mantiene su rigurosa práctica de estudio, mientras que su obra continúa exhibiéndose en nuevas galerías. Friedeberg vive en la misma casa de la Colonia Roma donde trabaja en la Ciudad de México, un santuario maximalista al que una vez llamó en broma «un museo de basura», lleno de arte de Man Ray, José Luis Cuevas y Rufino Tamayo, junto con sus propias creaciones y curiosidades coleccionadas.
Parece que Friedeberg seguirá haciendo lo que siempre ha hecho: crear sus mundos fantásticos, una estructura imposible, una criatura híbrida absurda, un objeto hermoso e inútil a la vez. Para un artista que insiste en que el arte está muerto y que no se produce nada nuevo, parece decidido a demostrar que está equivocado.
Monica Belot es escritora, investigadora, estratega y profesora adjunta en la Parsons School of Design de Nueva York, donde imparte clases en el Programa de Diseño y Gestión Estratégica. Divide su tiempo entre Nueva York y Ciudad de México, donde reside con su travieso cachorro labrador plateado, Atlas, Monica escribe sobre temas que abarcan desde la experiencia humana hasta los viajes y la investigación en diseño. Sigue sus variados escritos en Medium: medium.com/@monicabelot.
